Pues así es, el legendario músico canadiense estará en la próxima edición del festival barcelones. Además, ya sabemos que tocará el sábado dia 30 de mayo, el mismo día que Sonic Youth y The Jayhawks, en un día que puede ser histórico. Por si esto fuera poco, Neil Young desarrollará un set completo, de unas dos horas y media de duración, por petición propia del artista. En ella, presentará las canciones de su último disco, Fork In The Road.

Será la segunda vez en menos de un año que el músico de Toronto visite nuestro país tras su paso el año pasado por el Rock In Rio, así como su segunda actuación en Barcelona tras la ofrecida en 1987 en el Palau d´Esports.

Tambien se han dado a conocer más detalles sobre la próxima edición del festival, como los días en los que tocaran alguno de los principales artistas: 

 Jueves 28: My Bloody Valentine (escenario exterior), Aphex Twin y Yo La Tengo

Viernes 29:  My Bloody Valentine (actuación en el Auditori), Bloc Party, Spiritualized y Jarvis Cocker

Sábado 30: Neil Young, Sonic Youth y The  Jayhawks.

El martes 3 de marzo se pondran a la venta las entradas de día a un precio de 55 € (mas gastos de distribución) en las tiendas CD Drome de Madrid y Barcelona y en la red Tick Tack Ticket. El precio del abono general es de 130 euros (mas gastos de distribución). Estos précios se mantendrán hasta el próximo 15 de Marzo.

Despues de muchas semanas de espera, el FIB ha dado a conocer una nueva tanda de grupos confirmados. Son The Psychedelic Furs, White Lies, Friendly Fires, The Bishop y Boys Noize. Tras darse a conocer los reclamos masivos enfocados al público britanico y destinados a asegurarse una buena entrada, eran muchos los que esperaban un giro en las confirmaciones. Más grupos del otro lado del charco, menos mediáticos pero con calidad. Pero, cuan equivocados estábamos, este año la mano de Vince Power se esta notando de verdad. White Lies, Fiendly Fires y The Bishop encajan a la perfección con el perfil del NME y los hypes que de un tiempo a esta parte llegan de las islas. Por otra parte, Boys Noize es la primera confirmación para la parte electrónica del festival, en la que parece que será uno de los principales reclamos. Como de música electrónica sabemos muy poco, no entraremos a valorar esta confirmación, si bien parece ser un dj muy al estilo de la electrónica que se estila en las últimas ediciones del FIB. Antes de su paso por Benicassim, podrán verlo los asistentes al SOS4.8.

Lo cierto es que, además del evidente cambio en la línea artistica del festival, tambien esta cambiando la forma en que se va sabiendo el cartel. Los grupos van cayendo por cuentagotas y mucha gente prefiere esperar a que se sepan mas nombres del cartel para decidirse a ir. Sin embargo, las ventas de abonos van a un ritmo frenético (según datos oficiales se han vendido más de 20.000 abonos) y todo apunta  a que habrá llenazo (con más público ingles que nunca), así que va a ser imposible esperar a conocer el cartel completo para decidirse.

Hace ya varios días, interesados por cantidad de buenas referencias que tenía  de Fanfarlo (entre ellas, las de David Bowie), decidí darle una oportunidad a su disco de debut, Reservoir. ¿Quienes son Fanfarlo? Pues son un sexteto afincado en Londres formado por un sueco (Simon) hace casi 3 años.

En las primeras escuchas quedé totalmente fascinado por el disco. Había, logicamente, pop sueco al estilo del sello Labrador. Pero tambien se podían notar las influencias de Arcade Fire y Neutral Milk Hotel, incluso tambien había detalles que recordaban a Devotchka. Influencias todas ellas del otro lado del Atlantico (donde se encuentra, en mi opinión, la música mas excitante que se puede escuchar hoy en día), que hacían de Reservoir el disco procedente de Inglaterra (sin que eso significase que fuese británico) más excitante que escuchaba en mucho tiempo.

Sin embargo, el globo se ha ido desinflando poco a poco. Las canciones van perdiendo frescura (salvo I´m A Pilot y Comets, dos canciones vibrantes y tocadas por una varita mágica), aunque esto no significa ni mucho menos que el disco sea malo, enabsoluto. Es un disco bonito y muy disfrutable, tanto que de primeras promete tantas cosas que luego resultan no ser, y puede llegar a decepcionar un poco. Sobre si estamos ante una futura gran banda (yo mismo pensaba que así era), pues el tiempo y los discos lo decidiran.

Ya se ha desvelado, en la tradicional rueda de prensa celebrada en la fábrica de Estrella Damm de Barcelona, el grueso del cartel de la próxima edición del Primavera Sound, que se celebrará del 28 al 30 de Mayo en el Parc del Forum de Barcelona. La lista completa de artistas y grupos confirmados puede verse en la página web del festival: http://primaverasound.com/.

Este año no se percibe la unanimidad respecto a la calidad del cartel de otras ediciones, a pesar de las confirmaciones de grupos que todos esperaban que estuviesen en el festival.

Quzás sean dos los nombres que destacan un poco por encima en el cartel. Se tratan de Sonic Youth (que continuan con su costumbre de venir los años impares, si bien en esta ocasión no es para hacer un Don´t Look Back como en su última visita en 2007) y My Bloody Valentine, que repiten en nuestro pais tras los conciertos el año pasado en el FIB y el Saturday Night Fiber (conciertos para los que Santi Carrillo, director de la revista rockdelux, se remitió a las declaraciones de Kevin Shields en las que decía que el concierto del FIB era el peor que había dado en su vida).

Evidentemente hay muchas más cosas de interes. La confirmación de The Jayhawks, una de las bandas americanas mas infravaloradas de los últimos tiempos, ha sido una más que agradable sorpresa, y más si vienen Mark Olson y Gary Louris, coautores de discos memorables como Tomorrow The Green Grass o Hollywood Town Hall. Otra gran alegría ha sido ver que la organización del festival se ha acordado de Magnolia Electric Co, banda americana autora de uno de los mejores discos de alt-country que hemos tenido el gusto de escuchar, What Comes After The Blues.

Destacable tambien (a nuestro humilde entender) la presencia de Jason Lytle, el que fuera lider de los infravaloradísimos Grandaddy. Al parecer vendrá presentando las canciones de su primer disco en solitario, aún sin editar. Esperemos que esto no sea impedimento para que podamos escuchar canciones de su antigua banda.

Muchas ganas tambien de ver a Andrew Bird. El cantautor y violinista vendrá presentando su ultimo disco, Noble Beast, un más que notable álbum que no nos ha decepcionado en absoluto a pesar de lo alto que había dejado el listón su anterior disco, Armchair Apocryphia.

Más cosas destacables son la presencia de la entrañable banda americana Yo La Tengo, los hilarantes Art Brut y el carismático Jarvis Cocker, del que se puede decir que “el que tuvo retuvo”, si bien su concierto en el Summercase del 2007 fue un tanto irregular y se hacía evidente que aún le faltan canciones para hacer un show en solitario con garantías. Veremos a ver…

Del resto del cartel, pues la mayoría de los grupos nos son desconocidos o lo que hemos escuchado de ellos no nos convence. A ver los derroteros por los que discurren las próximas confirmaciones.

No sorprende que Bon Iver sea una de las sensaciones del momento. Siendo pragmáticos, podemos afirmar que lo tiene todo para gustar. Además de ser un artista desconocido, reúne una serie de características que le convierten en potencialmente catapultable por los medios de la escena indie. La lista de motivos comienza con la historia personal que propició la gestación de For Emma, Forever Ago, su debut discográfico.

En noviembre de 2006, tras la disolución de su banda (DeYarmond Edison) y una ruptura sentimental, Justin Vernon -ése es su verdadero nombre- se retiró a la cabaña de su padre en las montañas del norte de Wisconsin. El plan era escapar del desastre y mantenerse alejado para aclarar la mente. Llevó su guitarra consigo, pero aunque sabía de las condiciones especiales de su retiro –se alimentó básicamente de la carne de los ciervos que él mismo cazaba-, no tenía intención de escribir o componer, y mucho menos se imaginaba que iba a parir todo un disco.

Sin embargo, el aburrimiento de las dos primeras semanas dio paso a la inspiración. Vernon comenzó a darle importancia a sus ideas y a trasladarlas al papel. Poco a poco, fue haciéndose con un puñado de poemas, la mayoría de ellos formados por frases engarzadas que cobraban aún más sentido cuando trataba de asentarlas sobre una base musical. Letras viscerales repletas de sensaciones: reproches, dolor, soledad y, sobre todo, dudas.

Paradójicamente, todas esas dudas en lo personal se tradujeron en certezas en lo artístico. Cuanto más se analizaba, más seguro se encontraba escribiendo. Y quizá fue esta espontaneidad lo que dio lugar a uno de los mayores aciertos de este disco: la esperanza, el optimismo melódico y lírico. Si en Blindsided confiesa sentirse cegado y paralizado incluso “para la agonía”, en Re: Stacks –tema que cierra el album y que puede servir de resumen del mismo- se despide así:

This is not the sound of a new man or crispy realization
It’s the sound of the unlocking and the lift away
Your love will be
Safe with me

Lo cierto es que Iver, además de derrochar minimalismo folkie e introspección por los cuatro costados, se erige como un grower nato. Cada canción crece, y en raras ocasiones desemboca en la desazón infinita. Tanto es así que el norteamericano consigue superar un importante reto: relativizar y contener el inevitable egocentrismo del dolor mientras pone en práctica una sólida personalidad. No es el sonido de un hombre nuevo o realizado, es el sonido del desbloqueo y la elevación.

Aunque estilísticamente no aporta nada nuevo –falsetes, coros, ecos, guitarras acústicas, tímidos slides, sutiles percusiones-, Bon Iver suena virgen, distinto, como si su aislamiento hubiese sido mucho más prolongado. Pero también como si ni siquiera se plantease sonar como él mismo.

En caso de que uno no caiga en el hechizo a la primera, a medida que va avanzando en escuchas se percata de lo fundamental: aparte de ser bicoca sonora para la pozoñosa progresía indie, Vermon tiene las canciones, sabe economizar, y factura un álbum uniforme, con fuerte carga emocional pero muy compensado. Treinta y siete minutos que reclaman atención de principio a fin.

Con Howling Songs, Matt Elliott cierra una trilogía que comenzó con Drinking Songs y tuvo su continuación con Failing Songs, un disco en el que ya se intuye el giro que sus composiciones han tomado definitivamente en la última entrega del músico de Bristol, esto es, canciones acústicas y desnudas con evidentes influencias de la Europa mas oriental.

Ello no quiere decir, ni mucho menos, que estemos ante un trabajo reposado o alejado de la visceralidad que suele rodear a la música de Matt Elliott, más bien al contrario. Howling Songs bien podría ser considerado, además de su disco más íntimo, el primer álbum (conceptual o no) sobre los difíciles tiempos -sociales y económicos- que se nos avecinan. La crudeza y la desesperanza parecen ser el hilo conductor de un disco que muestra todas sus cartas desde el primer corte, The Kübler-Ross Model: la voz de Matt más sombría que nunca, tamizada con guitarras acústicas y violines, lamentándose por la perdida de la persona a la que amaba y la desesperanza y confusión que eso le produce, creando un “in crescendo” que desembocará en una desquiciante explosión de feroces guitarras acústicas y percusiones, una suerte de “folk shoegaze” que pone de relieve otra de las diferencias de este álbum con respecto a sus predecesores: el choque entre la ya conocida introspección de Matt Elliott y un nuevo elemento: el enfado y la ira.

El resto del álbum discurre por similares derroteros. A Broken Flamenco sigue la estela de folk ruidista y suena a la banda sonora de las fuerzas explosivas e incontrolables que acechan el frágil equilibrio global, mientras que la espectral canción que da título al disco evoca a sombríos parajes de Transilvania, a un paisaje apocalíptico, a una sociedad asolada por el pánico y la desesperanza que ha arrasado con el mundo tal y como lo conocíamos. Bomb The Stock Exchange, la canción que cierra el album, es un cínico vals que, atendiendo a la letra, podría tratarse de una autocrítica del propio Matt hacia su visión gris y pesimista de las cosas (“When all your memories are sad/Forgotten the dreams that you had/Friends are a lie, who don´t care if you live or die/What you do but cry”).

En definitiva, Howling Songs pone punto y final con mucho brillo a la “songs trilogy” como la mas inquietante y desalentadora de las 3 partes, un disco brumoso que sugiere que ya es demasiado tarde para la reflexión o el propósito de enmienda. No hay nada que se pueda hacer ya, según Matt Elliott, en plena decadencia del actual orden económico, político y social.

La serie se popularizó con una sorprendente grabación de dos temas de Arcade Fire allá por marzo de 2007, cuando la banda comenzaba la gira de presentación de Neon Bible. Los canadienses interpretaron la canción que da título al disco en el ascensor de acceso a la sala en la que se disponían a dar su concierto “normal”. No contentos con ello, atacaron Wake Up entre la masa público. Una excepcional apertura de concierto para una formación a la que medio mundo esperaba con ansias.

Con el paso de los meses, La Blogothèque se ha ido haciendo con un envidiable archivo.

Todo aquel que siga a Herman Düne sospechará que el dúo no podía estar ausente en la iniciativa. Tras tocar dos temas de Giant -su trabajo más celebrado- en una lavandería, el vocalista David-Ivar nos regala una versión Just Like Thom’s Blues de Dylan, que enlaza con Your name, my game.

Naturalmente, Animal Collective tampoco se iban a quedar al margen. Ayudados de múltiples cachibaches (latas, tubos, un carro de la compra…), Panda Bear y sus compinches protagonizan una de las grabaciones más particulares:

Jens Lekman aprovechó una de sus visitas a Francia para dejar a LB este fantástico Happy Birthday, Sweet Lisa ejecutado en una pista de tenis.

Y una de las nuevas sensaciones del revival folkie, Bon Iver, obsequió a la web gala con un puñado de grabaciones registradas en conciertos formales, en sesiones privadas y, por supuesto, en la calle. Poco le faltó para tocar el disco entero…

Hasta R.E.M. se prestó a formar parte estas grabaciones, interpretando nada menos que cinco temas de su último disco. Además, utilizó el método Vincent Moon (director de los vídeos) para promocionar el single Supernatural, Superserious.

Beirut, Vic Chessnutt, Sufjan Stevens, Alan Sparkhaw (Low), Divine Comedy, Stuart Staples (Tindersticks), José González, Elvis Perkins… La lista es bien larga. Pueden comprobarlo aquí.

Meses después, una web inglesa siguió los pasos de La Blogothèque, en este caso ubicando las sesiones atípicas exclusivamente en taxis en marcha. El título del serial, Black Cab Sessions. Los okupas del Peñón pueden presumir de haber grabado a Daniel Johnston o al mismísimo -¡firmes!- Brian Wilson -¡descansen!-, que interpreta, ayudado por sus coristas, That Lucky Old Sun y California Girls.

También contamos con un proyecto similar dentro de nuestras fronteras, que viene de la mano de la (futura) web Macadamia Jam. El mini-concierto callejero de la omnipresente Russian Red es uno de sus principales reclamos:

Parts & Labor forma parte de ese conjunto de grupos de Nueva York (incluso podríamos ubicarlos a muchos ellos dentro del distrito de Brooklyn) que oscilan entre el indie rock puro, pasando por el llamado art rock o incluso por el noise y llegando a la música experimental, entre los que se encuentran, entre otros, TV on the Radio, Yeah Yeah Yeahs, Black Dice, Oneida o Liars, todos ellos indiscutiblemente empapados de la obra de Sonic Youth, bien en sonido, bien en filosofía.

En este caso, Parts & Labor tienden en general al indie rock, apoyándose en el uso de sintetizadores, aunque asalvajándose en algunos de sus temas dando rienda suelta al ruido. Su disco anterior, Mapmaker, consiguió tener algunos temas realmente logrados como Fractured Skies o Gold Diggers, permitiéndoles llegar a un público más amplio, e incluso pasaron por nuestro país, actuando en el Primavera Club 2007. En este año perdieron a su batería, aunque consiguieron hacerse con los servicios de un nuevo percusionista, además de con una nueva guitarrista, que suponemos le dará más potencia en sus directos. Así, con una nueva formación, presentan su cuarto trabajo, Receivers, con ocho temas muchos más sosegados y menos precipitados, aunque de mayor duración e incluso con connotaciones más épicas que en sus trabajos anteriores, un proceso de maduración o una evolución habitual en muchos grupos.

Para este disco, además, siguiendo las modas de interactuar con sus fans a través de Internet, Parts & Labor ha contado con la colaboración de amigos y seguidores, quienes a través de Internet les han proporcionado sonidos esencialmente electrónicos, aunque también simples ruidos, que ellos, con una mayor o menos preeminencia, han utilizado en el disco, empleando aquellos que más les han gustado en los interludios entre canción y canción.

Ya en julio permitieron la descarga del segundo corte del album, Nowheres Nigh, el cual ya nos dejaba ver los patrones antes mencionados y su acercamiento a unas melodías pop que sin embargo no les hacen ser un trago ligero, sino que las envuelven en una capa de distorsión y de sintetizadores que les da una mayor carga sonora.

El disco comienza con el tema Satellites, una canción que va progresando en energía y que nos adentra en un mar de sonidos electrónicos y ritmos repetitivos, culminando en un final caótico que consigue elevarnos y engancharnos para lo que queda de álbum. Tras la ya citada Nowheres Nigh llega Mount Misery, el tema más corto del disco, en el que se aprecia una melodía que podríamos calificar como surf/hawaina, más calmada, pero que no desentona con las características propias del grupo. Tras ellos, destacan los temas Wedding in a wasteland o el corte final, Solemn Show World, una gran culminación para un álbum denso pero magnético, de un grupo que esperamos que algún festival nos consiga traer este verano.

Pues así es, el dia 21 de marzo Brandon Flowers y sus esbirros vuelven a pisar territorio nacional para poner fín al tortuoso valle de lágrimas en que su legión de fans se había sumido tras su concierto en aquel invento llamado Pepe World, allá por junio de 2007. Sera en la sala Razzmatazz el dia 21 de Marzo de 2009. Imaginamos que (por desgracia) no será la única fecha en nuestro país, puesto que, sin lugar a dudas, la banda de Las Vegas es (incomprensiblemente) uno de los principales reclamos para el próximo curso festivalero, y más aún tras el pelotazo que ya está siendo Human (el primer single del próximo trabajo de la banda, Day & Age), canción que nos dejó a todos en un razonable estado de, siendo benevolentes, estupefacción. Sin embargo, nada es imposible para la banda del clon de Coque Malla al otro lado del charco. Consiguieron ir un paso mas allá con el descacharrante videoclip de Human. En él, se ve a los cuatro miembros de la banda tocando en mitad del desierto (muy sagaz el guionista, sugiriendo veladamente el reconocimiento y fama que The Killers debieran tener) con un Brandon Flowers desatado (impagable su chaqueta con plumones en las hombreras) cantando y bailando delante de, entre otros animales, un tigre albino, una especie muy común en el desierto de Nevada (no es que sea un desierto muy frío y nevado, sino que está en el estado americano del mismo nombre). Pueden ver el vídeo entero AQUI

A nadie se le escapa que Cosa Astral, el segundo trabajo de Coconot, va a ser comparado con Alegranza, el internacionalmente aclamado disco de debut de El Güincho, alter-ego de Pablo Díaz-Reixa, batería y miembro fundador de Coconot. Y han salido airosos del desafio, o así lo creemos tras haber escuchado Cosa Astral, un disco con evidentes similtudes al proyecto en solitario de Pablo, pero en el que no percibimos esa sensación de “esto es una estafa o una genialidad” que afloraba cuando escuchábamos por primera vez Antillas o Kalise. Desde el comienzo, con Conservad el rayo, estamos ante un disco que irradia peculiaridad y un desparpajo impropio de estas latitudes.

Dicen de este trabajo (para el que Jens Neumaier, miembro de 12Twelve y productor del primer album de Coconot, Novo Tropicalismo Errado, ha pasado a formar parte de la banda a tiempo completo) que se asemeja bastante a Panda Bear, el proyecto de uno de los Animal Collective. Quizás haya similitudes en la filosofía de los proyectos y en algunas influencias puntuales, pero, en general, son muchas más las cosas que los diferencian. En Panda Bear encontramos, aún con una capa de tropicalismo, referencias a Love y Brian Wilson, mientras que en Coconot la tropicalia esta mucho ms presente, en forma de ecos tribales en versión isleña (por decir algo).

Abre Cosa Astra la ya mencionada Conservad el rayo, una canción que comienza muy al estilo de El Guincho y que va mutando hacia una suerte de trance carnavalero. Esa línea es la que perdurará durante todos los cortes del disco, destacando las acertadas Verbena de los Delfines, Tao (quizás la canción que mejor sintentiza la definición que Jens Neumaier, productor del disco, ha hecho de Coconot: ‘krautrock latino’) y El final del sonido tropical.

En definitiva, se trata de un disco luminoso, fácil de escuchar y sin altibajos, que va a consolidar la figura de Pablo Díaz Reixa como uno de los creadores mas peculiares de este pais, despertando amor y odio a partes iguales, aunque no sera este Cosa Astral el que haga cambiar de opinión a unos ni a otros.